Alejo Urdaneta

PERSONA / INGMAR BERGMAN (1966)

En Hamlet, de Shakespeare, la frase central del drama es el más famoso monólogo de la dramaturgia de todos los tiempos ‘Ser o no ser’. El personaje principal de esta película del cineasta sueco Igmar Bergman es Elizabeth Vogler (representada por Liv Ullmann), y parece haberse propuesto el dilema. Es una actriz teatral que luego de una representación de Electra pierde el habla, no sabemos si por decisión propia e intencional, o a causa de algún trastorno psicosomático. Con el silencio impone su deseo de existir.

Persona ofrece una belleza de imágenes y contrastes propios de un sueño. Bergman nos presenta acciones de la vida cotidiana, conversaciones comunes del vivir; sin embargo hay en el fondo un juego con tales recursos, y se nos sugieren verdades que deseamos encontrar o descifrar.

 Elizabeth Vogler, a causa de su enfermedad neurótica que la priva del habla, es encomendada por el médico a la enfermera Alma (Bibi Andersson, una de las actrices preferidas del autor Ingmar Bergman). El tratamiento las lleva a una casa de campo en pleno verano. Desde el momento ambas mujeres comparten la vida solitaria, en la que no hay comunicación verbal, van surgiendo los conflictos de cada una, pero es sólo una de ellas, la enfermera Alma, la que habla con la enferma y propone causas y conductas que conducen al amor de las mujeres.

En un extenso monólogo la enfermera revela a su paciente sus planes matrimoniales y sus miedos; y narra un episodio ocurrido en la playa, cuando se enfrenta junto con una mujer amiga al asedio sexual de dos jóvenes. Siente gusto al evocar esa aventura de hondo placer erótico que cuenta a la paciente Elizabeth, callada al escuchar la historia. Este monólogo de la enfermera se une a los otros dos que constituyen el centro de la trama. Se trata del intercambio de las dos personas hablando sucesivamente del hijo de la enferma Elizabeth, con el mismo parlamento y la misma voz, del que trataremos más adelante.

Hay un parecido físico entre las dos mujeres, y Bergman enfatiza la similitud al crear un plano en el que combina media cara de cada una de ellas, como un retrato. En esa ocasión dijo Bergman: “El rostro humano es el gran tema del cine. Todo está ahí”

En el tiempo de la convivencia en la casa de campo, crece la atracción física entre las mujeres. La paciente, Elizabeth, es más fuerte que Alma, la enfermera, y esto ocasiona un enfrentamiento violento entre ellas. En una escena de significado notable, explota el resentimiento de la enfermera. Deja caer en el jardín las piezas de un cristal roto en un lugar que Elizabeth recorre con frecuencia. Se hiere el pié la paciente y mira a la enfermera con la sospecha de que sabe quién lo hizo.

Persona es, dentro de la conocida filmografía de este director, una de sus obras más controvertidas. Una reflexión sobre el poder de los medios, sobre el cine dentro del propio cine, que obliga al espectador a replantearse constantemente el hilo argumental sobre el que se sustenta el guión, nos muestra símbolos que posteriormente se desenlazan en el reflejo de ideales humanos, virtudes y defectos, atributos que se realzan con las personalidades de las actrices. En ambos casos dos mujeres diametralmente opuestas en temperamento y en nociones de la vida se unen para conjugar un drama a partir de la relación de un hombre con una de ellas.

 Así es cómo la película nos muestra el silencio de una protagonista como instrumento para la dominación de la compañera, y más aun, realza el papel de la actriz que perdió el habla, crea un papel especial para ella. Maquiavelismo puro adornado de toques de minusvalía. Con la mayor economía de personajes y escenarios se nos muestra a plenitud de imágenes un difícil tema: Dos mujeres conviviendo en una tortuosa relación.

Después de la escena del accidente con los cristales rotos que hieren a Elizabeth, Bergman produce el efecto de la quema del rollo de la película. La acción se detiene y la pantalla queda en blanco. Luego vuelve el desarrollo y aparece como al descuido un montaje de los primeros días del cine: esqueletos que danzan, ataúdes con una mano que busca tomarlos. Es un extraño descanso (cine dentro del cine) que termina con la cámara penetrando un ojo humano, como si buscara entrar en la mente. Con estas imágenes intercaladas en la trama se introduce el tiempo existencial de la obra.

Bergman pareciera sugerir que la narración tiene un mismo comienzo que su final. Al inicio de la historia, Elizabeth está mirando en la televisión escenas de la guerra del Vietnam, más adelante fotografías del guetto de Varsovia: luces de cámaras de cine y fotografía. En la mitad hay un descanso, del que hemos hablado, reanudado con la trama de la obra. Y al final de la película la cámara se apaga con el drama que hemos visto, precedido el desarrollo con un plano que muestra a los creadores del film en su trabajo. Son ellos quienes han inventado este largo sueño.

El desenlace de la película nos ofrece a las mujeres una frente a la otra. De ellas sólo habla Alma, la enfermera, y expone lo que cree es la causa de la enfermedad neurótica de Elizabeth: El nacimiento indeseado de un hijo al que ella ha odiado. La dolorosa historia está explicada con la cámara fija sobre la enferma Elizabeth. Pero de inmediato es explicada la misma historia otra vez, palabra por palabra, con la cámara enfocada sobre el otro personaje: la enfermera, única hablante. Estos monólogos, sumados al que realiza Alma al relatar su aventura erótica a la paciente, nos muestran cómo las ideas crean las imágenes y hasta la realidad.

El director sueco hizo una película totalmente creativa, libre de las ataduras de los estudios y los productores. Logró una obra novedosa en forma y contenido. Elizabeth y Alma se complementan en una mezcla mental de ideas, recuerdos, deseos, esperanzas. El dolor de Elizabeth y el éxtasis erótico de Alma en la playa rompieron la rutina y pueden ser causa de su complementación.

        Eso nos ocurre cuando decimos: “Yo mismo”: Somos ciertamente el singular de la palabra que da título a la película, y que en la lengua francesa denota dos conceptos excluyentes: Persona como individuo; persona como nadie, ninguno.

Persona es el drama existencial sobre el tema del doble y la máscara, el proceso de ósmosis entre dos mujeres que intercambian sutilmente su personalidad.

“El título es la clave: ‘persona’. Singular.